Sehen Sie „Gego: Die Unendlichkeit messen“ im Guggenheim

Gego (so der Name der Künstlerin Gertrud Goldschmidt) betrachtete sich nicht als Bildhauerin, zumindest nicht im herkömmlichen Sinne. „Skulptur: dreidimensionale Formen in festem Material“, schrieb sie einmal in einem Tagebuch. „Nie das, was ich tue!“ Stattdessen betrachtete sie sich selbst als eine Art dreidimensionale Zeichnerin, deren primäres Werkzeug nicht die Masse, sondern die Linie war.

Gegos Linien werden in ihrer aktuellen Retrospektive im New Yorker Guggenheim mit atemberaubender Wirkung zur Geltung gebracht. Die Ausstellung, die fünf der sechs Stockwerke des Museums umfasst (die sechste enthält eine Ausstellung der zeitgenössischen Bildhauerin Sarah Sze), deckt die vier Jahrzehnte lange Karriere der Künstlerin ab.

Erst in der Mitte seines Lebens wurde Gego zum Künstler. Sie wurde 1912 in Hamburg geboren und studierte Architektur und Ingenieurwesen an der Universität Stuttgart, die sie 1938 abschloss. 1939 floh sie aus Nazi-Deutschland nach Venezuela. Das nächste Jahrzehnt verbrachte sie als Architektin und Designerin, arbeitete freiberuflich für verschiedene Firmen und gründete eine Möbelwerkstatt. Erst in den 1950er Jahren, nachdem sie sich von ihrem Mann scheiden ließ und ihren Lebenspartner Gerd Leufert, einen in Litauen geborenen Grafikdesigner, kennenlernte, begann sie, sich ganz der Kunst zu widmen.

Die frühesten Stücke der Ausstellung sind zweidimensional: eine Sammlung von Zeichnungen, Gemälden und Drucken, die entstanden, als die Künstlerin in ihren Vierzigern war. Diese wirken größtenteils wie Studien und nicht wie fertige Werke; Gegos Kraft lag an der Schnittstelle von Skulptur und Zeichnung, nicht in der Zeichnung selbst. In einigen der fesselndsten Werke sehen wir die frühe Auseinandersetzung der Künstlerin mit überlappenden parallelen Linien, ein Motiv, zu dem sie im Laufe ihrer Karriere immer wieder zurückkehrte.

In den 1960er Jahren begann Gego, ihre Visionen im dreidimensionalen Raum zu verwirklichen. Ihre frühen Skulpturen sind schwer und geometrisch: Ansammlungen sich überschneidender flacher Flächen, die zusammengeschweißt und auf Sockeln verankert sind. Schon in diesen frühen Stücken, wie auch in ihren Zeichnungen, vermeidet Gego feste Formen – die Flächen bestehen aus gleichmäßig verteilten Metallstäben, die sie mit Hilfe von Metallarbeitern schweißte.

Doch erst in den späten 1960er Jahren begann Gego nach einem Aufenthalt in den USA, ihre eigene skulpturale Sprache zu entwickeln. Die dicken Metallstäbe früherer Skulpturen wurden zu zarten Drähten, die Gego von Hand manipulieren konnte; Die parallelen Linien wurden zu Maschen. Die Stücke standen nicht mehr auf Sockeln, sondern hingen von der Decke.

Aus diesen neuen Erkundungen entwickelte sich schließlich die „Reticulárea“-Reihe, die weithin als Gegos Meisterwerke gilt. Diese immersiven Umgebungen füllten Räume; Besucher hätten Gegos dreidimensionale Zeichnungen von innen erleben können.

Die Guggenheim-Ausstellung enthält keine der vollständigen „Reticuláreas“ von Gego, die sie speziell für ihre Standorte entworfen hat. (Die Komponenten der letzten „Reticulárea“, die 1982 in Frankfurt installiert wurde, gingen beim Transport verloren.) Wenn man sich jedoch Fotografien früherer Installationen ansieht, kann man sich vorstellen, wie sie aussahen – oder wie man sich gefühlt hätte, wenn man durch sie ginge ein Netz, eine unendliche Konstellation.

Anstelle eines vollständig immersiven Erlebnisses erhalten wir Fragmente der Unendlichkeit: verdrehte dreieckige Gitter, eine Tipi-ähnliche Struktur, die in der Luft baumelt. Bei einem schönen Stück wird die Gitterstruktur durch gleichmäßig verteilte kreisförmige Öffnungen unterbrochen, die an die Löcher in einem Spinnennetz erinnern.

Obwohl geometrisch, sind diese Stücke niemals starr. Die Drähte schwanken wie die Linien einer Skizze; ihre Dicke variiert. Gego nutzte unterschiedliche Methoden, um die Drähte zu verbinden: Manchmal schlang sie die Enden der Drähte umeinander; manchmal benutzte sie Hardware. Diese Schnittpunkte, die dunkler und dichter sind als der Rest des Stücks, führen den Blick des Betrachters durch den Raum.

Wie Netze behalten auch die Stücke Volumen und bleiben gleichzeitig transparent. „Es sind Skulpturen, die wirklich über ihren Raum hinausgehen“, sagte Geaninne Gutiérrez-Guimarães, die die Ausstellung gemeinsam mit Pablo León de la Barra kuratierte, gegenüber Observer. „Man kann durch sie hindurch in den Raum sehen, der sich hinter ihnen und um sie herum befindet.“

In den 70er und 80er Jahren spielte Gego weiterhin in der Startaufstellung und natürlich auch an der Linie. In einer Serie wickelte sie Drahtgeflechte in zylindrische Formen, die von Baumstämmen inspiriert waren; In einem anderen Fall faltete sie das Gitter in sich zusammen und schuf so Kugeln, die wie kugelförmige Galaxien von der Decke hingen. In der Serie „Chorros“ (Bäche) hat sie das Gitter ganz aufgegeben und mithilfe des Drahtes wasserfallartige Strukturen geschaffen, die sich wie verrückt auf den Boden ergießen.

Tatsächlich war Gego ein unermüdlicher Innovator. Die letzten Ebenen der Ausstellung zeigen die seltsamen und vielfältigen Erkundungen ihrer letzten Jahrzehnte, wie die treffend benannten Dibujos sin papel (Zeichnungen ohne Papier), eine Reihe „papierloser, rahmenloser Zeichnungen“, wie Gego sie nannte, aus Draht, Metall und Metall andere Materialien. Ganz am Ende der Ausstellung finden wir eine Sammlung kleiner Skulpturen namens Bichos (Bugs) und Bichitos (Small Bug): kleine, organische Assemblagen aus gefundenen Materialien und Fragmenten anderer Skulpturen.

Aber es sind Gegos Linien und die Netze, die sie weben, die in dieser Show glänzen. Für Gego war die Linie ein Zeichen, eine schöne Sache an sich, aber sie war auch ein Behälter und eine Kante – eine Möglichkeit, die Unendlichkeit einzuschließen.

Mozart sagte einmal angeblich, dass Musik in der Stille zwischen den Noten liegt, nicht in den Noten selbst. Im physischen Bereich ist Stille Raum. Und es ist der Raum selbst, den Gego so geschickt beleuchtet hat.

Gego: Die Messung der Unendlichkeit ist bis zum 10. September zu sehen.